时装设计师的空间美学，与他们的作品一样精彩

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在建筑学语言中，形式与空间的关系常常被称为「实心 — 空隙」，圆柱、墙壁、地板和天花板在内的建筑元素，与尺寸、比例、材料、颜色和纹理的参数，共同构成了塑造空间的整体。当我们将这一描述的主体从建筑学转向时装设计的方向，形式与空间的称谓，也变为了设计语言在空间的表达，在更为讲求独立与审美调性的设计师品牌身上，形式、空间、美学的相互连接，有着更为直观的呈现。而门店自然成为了其中标志性的存在，它接续着创意者铺展于衣物中的细节，或是材料，或是颜色，或是纹理，又或者是那些说不清，又道不明的情绪，在空间的渲染下，编织起一张意境的网，将身临其中的来者收拢至自我的世界中。

今天，我们将与读者一道，进入设计师品牌门店、工作室空间的领域，领略那些有着强烈个人美学诉求的创意者，如何在空间的层面，延续其鲜明的设计语言。

Maison Martin Margiela

Maison Martin Margiela 的白，基本能够概括出品牌空间的核心元素，自时装屋成立以来，白色一直是它的重要组成部分。在首个工作室，Jenny Meirens 和 Martin 从各地收集二手家具，包括跳蚤市场、二手商店、街边的摊位，这些家具几乎都是不同的风格，磨损程度也各有差异，为了达成空间上的一致性(以及现实的理由，初创时期的资金缺乏)，MMM 团队将墙壁、家具全数涂成了白色，或用白棉布覆盖。也是从这一时期开始，与 Maison Martin Margiela 所挂钩的空间，白，近乎是唯一存在的元素。

2000 年 9 月，Maison Martin Margiela 于东京惠比寿地区开设了..的第一家门店，这一空间原先是负责 MMM ..业务之一的 Kokonoe Electric Co Ltd 公司所在地，合并了最初的办工场所以及一楼的商店。2006 年 2 月 23 日，门店迁址到了惠比寿一处前电气产品工厂大楼里。

2009 年 4 月 22 日至 27 日，Maison Martin Margiela 受邀参加于意大利米兰举办的国际家具展，以「Mat，Satiné，Brillant」(哑光、缎光、亮光) 为主题，展现了时装屋基于空间概念的美学愿景。在一个 180 平方米的场地上，MMM 几乎复刻了巴黎总部的内饰环境，像是座机电话、白色棉布的家具软垫、地板上的黑白亚麻布等细节。一个由白色塑料香槟酒杯组成的金字塔，一张用白色材料复原的桌子，以及庆祝时装屋二十岁生日的蛋糕……「Mat，Satiné，Brillant」，以纯粹的空间视角，揭示了 Maison Martin Margiela 的世界。

Comme des Garçons

2002 年，荷兰建筑师 Rem Koolhaas 在与哈佛设计学院人士共同出版的一部书中说到，「建筑在很大程度上不能接受过度的购物和无形的本质」，而对于 Comme des Garçons 创始人川久保玲来说，无形与过度造成的反差感，方才是 CdG 建筑空间的基调所在。这与她在服饰层面追求的，不存在的衣物，有着异曲同工之处。就像此前我们提到的，川久保玲曾说过，Comme des Garçons 远不是只关于服装的，空间、环境，甚至做生意的方式，所有的一切都被认为是用 Comme des Garçons 的方式，所有一切都是相互联系，并在脑海中被设计为一个整体的。

1990 年代至新千禧年初，川久保玲分别与伦敦建筑事务所 Future Systems、设计工作室 Kitchen Rogers Design 合作，打造了包括东京青山、纽约切尔西和巴黎的门店，而川久保玲本人则全权操刀了京都门店的设计。

2001 年，作为巴黎时尚中心的圣奥诺雷街，迎来了 Comme des Garçons 旗舰店的到来，伦敦建筑事务所 Future Systems 操刀了整体空间的建筑设计，其灵感来源于名为「An Alien Wave」的外星波长席卷室内的概念。深红视觉为主体的色调(红色是继黑色之外，Comme des Garçons 美学宇宙的重要指代)覆盖在门、墙面、天花板在内的各个环节，它代表着「An Alien Wave」元素的入侵，抛光的混凝土地面在环伺周遭的深红凝视下，中和着强烈且一丝不安的视觉压迫感。圣奥诺雷街的 Comme des Garçons 旗舰店，更像是一处避难所，衣物悬挂在天花板上的金属轨道，折叠的 T 恤放在挤压的深红橡胶凳上，像博物馆里的藏品一样呈现在受访者面前。

最初，在门店建筑的正对面，Future Systems 创造了一个 55 平方米的亭子，一组红色的立方物体在这一空间内静静地移动，以一种催眠的方式旋转和变化，这里是「An Alien Wave」整体概念的集中体现。

而与 Future Systems 合作的纽约切尔西区门店，则是双方首个探索服装与空间的关系建筑项目。坐落于纽约市哈德逊河畔西 22 街 520 号的 Comme des Garçons 门店外部，一处破败的 19 世纪外墙，像是被岁月遗漏的逝去之物，割裂着现有时空的秩序，也多多少少剥离着人们对时尚品牌精品店的设想。Future Systems 将这处 19 世纪的结构，包括旧的标牌和外部工业的防火梯，作为一个「found object」现成物处理。嫁接在旧的砖砌入口拱门后面，创造一个新的入口，由铝构成的不对称管状结构建成，连接着外部进入 Comme des Garçons 世界的窗口。管状结构的存在，成为一个介于两者之间的场域，既不属于白天也不属于夜晚，不属于内部，也不属于外部，它进一步扩展了先前 19 世纪外墙营造的那一抹时空裂缝。

铝制材料构建的入口，由位于英国康沃尔的一家船厂制造，被锤击和敲打成折射光线的纹理。Comme des Garçons 集团 CEO Adrian Joffe 在这一空间正式对外亮相时说到：「它是美丽的先锋精神的象征，大多数的人都认为我们疯了 — 认为这是地球的尽头，但我们希望这里会成为购物者的圣地所在。」

Raf Simons

..首席时尚评论家 Vanessa Friedman 曾在谈到时尚撰稿时说到，「当你对各个方面了解得越多，就越能看到不同的事物之间是如何互相影响的，这样你输出的内容就会更加丰富」，而上述的理念放置在时装设计师的身上同样如此。创意的输出和表达从来都不是单向的出口，一个完整审美架构的形成，往往需要借助各类文化意像的加持，一如 Vivienne Westwood 之于朋克文化的取鉴，又如 Raf Simons 之于当代艺术的热情。

2008 年，Raf Simons 邀请艺术家 Sterling Ruby 与 Roger Hiorns 操刀个人品牌东京及大坂门店的空间设计，这是设计师寻求品牌美学与当代艺术碰撞的起点。在 Raf 官宣就任 PRADA 联合创意总监后，瑞士艺术馆长、艺术历史学家 Hans Ulrich Obrist 曾与他就艺术的未来进行过一番对话，在那次交流中，Raf 透露了自己与 Sterling Ruby 以及 Roger Hiorns 的相识过程，以及 2008 年两家..店铺设计的细节(目前，东京和大坂门店均已关闭)。

Raf 首次接触到 Sterling Ruby 的作品是一件较为早期的陶瓷创作，几乎是第一眼，他便被 Sterling 作品中的色彩情绪所触动，继而与他取得联系。家族成员在地域上的些许连结，使得这段友谊在最初有了纽带 (Sterling Ruby 的母亲与 Raf 成长的比利时小城内佩尔特很近)，并在多年的深入交流后变得亲密无间，用 Raf 的话来说，两人的关系几乎可以说是家人。

2008 年，Raf 邀请 Sterling Ruby 操刀他在东京 Kotto Dori 街的旗舰店空间，这是他首次与 Sterling 的合作。后者使用正负视觉二分法的视角，创造了一个现代城市的巢穴，将漂白的帆布分段拍摄，用高清晰度的负片印刷品覆盖墙壁和天花板，原始的织物被用来制作门店周围的固定装置，对应着 Sterling Ruby 在雕塑作品周围缝制染色材料的技术。

「我不想让这听起来自命不凡，但有时我的确可以和艺术家一起思考，就像是我能够进入他们的世界，以至于能够感知到一些东西。」在与 Hans Ulrich Obrist 的对话中，Raf 这样谈起他同艺术家群体的共情，这更像是一种心绪、思维方式上的契合。于时装设计方向而言，对艺术的挖掘和取鉴可谓寻常之举，呈现在视觉上的作品，是仅为简单的图像挪移，还是双向的文化碰撞，取决于创作者同艺术的共情感。在 Raf 的美学框架内，当代艺术占据着显著的地位，它像是一条重要的支流汇通着创意世界的层层脉络，人们也得以从纺织品构造的衣物、空间设计付诸的语言中，窥探到文化的力量。

Rick Owens

在同时期的时装设计师群体中，也许没有人能够媲美 Rick Owens 于建筑/空间层面的造诣，这并不是一句略有偏颇的评价，不似他人将这一方向视为设计风格的延伸，建筑/空间本就隶属于 Rick Owens 的美学世界，与他的服装，或经手的每一处领域，有着自成一体的完整性。

Brutalist architecture (粗野主义)，现代主义建筑流派的分支，也可被看作是 Rick Owens 空间审美语境的分流之一。官方给出的释义中，Brutalist architecture 象征着从钢筋混凝土的毛糙、沉重、粗野感中寻求形式上的出路，而这一类工业和材质上的粗粝质感，现身于 Owens 关于服装、家具、空间设计在内的诸多细节，连通着他自成一体的世界。

2015 年，Rick Owens 于洛杉矶拉布雷亚大道开设了一间同建筑师 Anna Tumaini 共同设计的旗舰门店，后者是 Owens 合作多年的伙伴。在建于 1920 年代，前身为织带厂的 450 平方米空间内，出现了一处仿若剧院式的结构，这是对好莱坞影业元老、电影导演 Cecil B Demille 的致意，Owens 希望通过他与 Anna Tumaini 多年合作建立起的建筑语汇，创造出与 Cecil B Demille 相称的产物。而门店所处的位置，则为广场沙龙酒吧的街边，在 20 年前，Owens 正是在这里度过了无数个难忘的洛城之夜。

空间内部，超高的天花板由巨大的深色角形横梁支撑，而雾墙的设置，成为洛杉矶旗舰店的一大标志性特征 — 覆盖整面墙体的浅色玻璃罐，每隔五分钟就会有大量雾气喷出。而 Owens 也直言，雾墙的设计耗费了几年的时间来完善，而这一视觉效果，像是在呼应着剧场表演时不时升腾的雾气；通体白色附着的外部墙壁，组成了旗舰店空旷的庭院，Owens 以此隐喻着电影中的屏幕，于空间中反射光线。

棱角分明的空间形态，粗犷的原始意味，取鉴于 Cecil B Demille ..圣经电影的意象，洛杉矶旗舰店表露出的建筑语汇一一栖身于 Rick Owens 个体的审美方圆。它们间或对应着服装设计层面的廓形，契合着家具设计层面的材质，又在某种程度上与 Owens 的美学意识形态，同属一派。如此自成一体的完整性，也使得 Rick Owens 于建筑/空间层面的造诣，区别于同期多数时装设计师，占据着近似独一档的地位。

UNDERCOVER

当视角来到 UNDERCOVER，高桥盾于建筑空间的范畴内，究竟会如何定义、凸显自身的万花筒美学，位于东京里原宿的 UNDERCOVER 工作室总部，给出了最为妥帖的答案。身为东京街头文化的孕育之所，里原宿地区在高桥盾的成长经历中，扮演着极其重要的角色，学生时代的躁动，初涉行业的记忆，以及东京地下文化场景的切身参与，笃定了高桥盾的里原宿情节。自 1990 年代末 UNDERCOVER 总部确定于此后，他从未离开，即便里原宿地区早已不复往日的文化盛景，商业、地产、旅游业的炒作使其变得浑浊，而与高桥盾同期的大多数设计师和友人，也先后将工作室地址迁出了里原宿。然而时至今日，他依然坚守在这里，因为就高桥盾自身而言，没有里原宿，便不会有 UNDERCOVER 的出现。

整个工作室大楼，像一个波纹状的黑色金属盒，而它正下方的空间，是昔日东京一处隐秘的地下音乐场所，美国歌手 Patti Smith 曾在这里演出，如今，它成为了 UNDERCOVER 团队裁剪服饰的地方。Eugene Rabkin 曾于 2020 年 5 月发表在《032c》上的一篇专题中，提到了 UNDERCOVER 里原宿工作室的种种细节。其总部大门的黑色金属把手，在「Undercover Laboratories」字样上方刻有着十字骨架和闪电的标志，而高桥盾的办公室则占据了整个顶层空间，门旁挂着 Anarchy 的标志，代表无政府主义的霓虹灯，书架上摆放着《发条橙》和《闪灵》的书籍、唱片和小型雕像装置；两个巨大的复古 Altec Lansing 扬声器位于他的办公桌对面，其侧边出现了一个大型的 Grace 玩偶；一处完整的 DJ 装置上部，分列着以灯牌制作的 Noise 单词(噪音)。