三本书和一场逆行的 Bottega Veneta 大秀

不确定的时代背景下，人们似乎都在寻求着改变。

在充满变化的 2020 年里，时尚界也是如此。作为这个行业里的先行者，开云集团承担起打破固有规则，建立新秩序的角色。

跳脱出传统时装周日程以及发布模式，我们目睹了一场场不再大同小异的时装发布会。

不间断直播、音乐录影带、连续剧，甚至是视频游戏。人们再次意识到了改变的力量，和创意内容的无限可能。

线下交流减少，保持社交距离的当下，科技和网络加速向未来驶去。

在今年快要接近尾声之时，同样是开云集团下的另一个在近几年成功转型，并保持着强势的增涨态势的品牌Bottega Veneta，却以“回到过去”作为方向，以逆行改变新姿。

在沙龙的形式下，我们看到了这个最新系列——Bottega Veneta Salon 01。

说到“沙龙”一词，或许大家并不会感到陌生。这个最早出现在 1664 年法国的词语，本身源于意大利语单词“Salotto”。

原指上层名流们家中的会客厅，一个供同道好友高谈阔论，交流心得的场所。

而沙龙与时尚相联，最初则是在 18 世纪枫丹白露宫廷中。当时华服盛行成风，贵族们会聚集在厅殿之中欣赏裁缝准备的最新设计。

而到了 20 世纪初，设计师开始自主聘请模特集中向顾客们展示新一季的作品。

私人品牌时装秀的诞生与服装交易的需求，使得这种非正式又隐秘的时装发布秀诞生。

来宾和顾客们茶歇交谈间，穿着新衣的模特穿梭其中，供其观赏交流。

这个因服装为由的小型聚会，也就是我们如今口中仍旧津津乐道的时尚沙龙，更是当代时装秀形式的雏型。

从品牌的官方讯息中，可以得知，其实我们如今看到这个系列，早在今年 10 月份就已于伦敦发布。

并且没有像大部分品牌的时装秀那样，邀请大量的杂志编辑或时尚博主参与。

而是在“Bottega Veneta Community”间呼朋唤友，邀请了包括了音乐人Neneh Cherry、Kanye West、Skepta，超模Rosie Huntington-Whiteley、艺术家Liz Johnson-Arthur、舞蹈家 Roberto Bolle 和Alessandra Ferri、策展人 Hans Ulrich-Obrist 等等。

他们无不都是各自领域的文化及创意先驱，纷纷化身这场沙龙的记者。彼此交流，相互探讨，共同构成了大秀的一部分。

同样，这场秀模特也承担起时装叙述者。不同于我们常见的时装秀，模特和观众间会竖起一道“隐形界限”，彼此缺少交流。

在 Salon 01 发布会上，模特就行走在嘉宾席之间，彼此通过眼神交流，无形之间也拉近了人与“秀场时装”的距离。

如今两个月过去，这个系列才正式和大众们相见。在即看即买、零时差直播越发盛行的今天，这是极为罕见的。

当时尚界都在执着于时效性、参与度时， Bottega Veneta这样的举措无疑更是逆行的。它将一切推回到最初的形式，撇清浮沫，放慢脚步去思考审视时装与人的关系。

这次沙龙举办的地点，同样选择在了一个对时光回溯的地方。

位于伦敦市伊斯灵顿区的萨德勒之井剧院（Sadler's Wells Theatre），剧院最初成立于 1683 年，是英国最古老和最权威的舞蹈剧院。

经历时间的洗练，萨德勒之井剧院也在不断发展。

成立至今的 300 年里，这里上演着芭蕾、弗拉门戈舞、探戈、现代舞乃至街舞等类别的舞剧。

这座建筑本身也随着功能性需要，做出各种改变。至今建筑已经历了 6 次变迁，这次举办 Bottega Veneta Salon 01 的剧场是 1988 年重建的。

虽然剧院会变，但不变的是它对呈现好的舞蹈和艺术的初衷。

在某种程度上，这其实和时装秀的演变脉络相同。无论怎么改变，但其实万变不离其宗，都是去更好的表达新一季设计、去诉说设计师的故事。

而这次的大秀，就是了解这份变与不变的好时机。以 3 本书为主轴，Bottega Veneta向我们呈现了这场秀从灵感诞生到制作过程，以及台前幕后的故事。

人们不再只能看到那十几分钟的大秀，而是在更广角的视野，把目光延伸到作品之外，深入设计师内心之中。

Book 01像是设计师的灵感薄，存放了大量意向图。翻开这一页页看似混乱复杂的图像碎片，你虽不能立刻明白每张照片背后的故事，但也能大致感受到那即将孕育而出的创作灵感。

比如其中大量出现的雕塑、身体的局部，指向了服饰作为身体第二层肌肤的作用。

这份灵感变成了大量贴身柔软的面料，它们亲密地包裹着模特们的身躯，勾勒出身体的轮廓。

Book 01中，还有 Daniel Lee 从舞者和舞者服中找到的灵感。

其中一张是 Pina Bausch 排练时的照片，这位闻名遐迩的舞蹈家，被誉为“现代舞皇后”。

其舞蹈作品被称作“舞蹈剧场”（Tanztheater），因为她的舞蹈已经超越单纯的表演形式，而是一种结合戏剧和舞蹈的剧场型演出。

一如这次大秀的形式，超越单纯的服装展示，更带我们走进设计师的创作过程，展现出比一般秀场更丰富的内容。

或许是 Daniel Lee 幼时就有在 Bradford 制作舞蹈服装的经历，亦或他心底一直有颗热爱舞蹈的心。这次他不但选址在萨德勒之井剧院，还将舞蹈中的灵感借由弹性面料带到这座舞蹈殿堂，用这样的方式兑现自己的舞蹈之梦。

摄影师 Claude Nori 拍摄的《意大利假期》同样也出现在了其中。

阳光大海，沙滩与爱情，那种油然而生的意式情节，同样也是深存于 Bottega Veneta 之中。

另一张来自传奇摄影师 Tim Walker 于 1999 年拍摄的一组作品《Don’t Shoot》，则以偷拍视角揭示名人们保护自己隐私的状态。这不仅是对“娱乐至死”的一种抨击，同样也是品牌想要与消费者建立更为私密关系的初衷。

人际交往其实就像设计本身一样，有时候保持微妙界限，学会克制收敛。那种不多不少的恰到好处，更是能够产生源源不断的吸引力。

其中还有一张照片，也吸引了我的注意力。Daniel Lee不避嫌的选择了是前辈，也是同行的 Miuccia Prada 的人物肖像。画面中的缪姨邀请《AnOther》杂志去自己品牌基金会新搬迁的地方做客，并和策展人 Hans Ulrich Obrist 畅聊艺术与自己的生活。

自 Daniel Lee 执掌 Bottega Veneta 以来，他也是将艺术与品牌相融合，在疫情期间他还主导了一个线上企划——Bottega之邸，品牌每周都会邀请艺术家加入其中，畅聊艺术，分享艺术。

这些灵感照片，无一不是跳脱文字表述的形式，站在纯视觉的范畴，以个人的视角去共联创作。

而它们，在 Book 02 中，也得到了更具象的画面。

在 Book 02 中，Daniel Lee找来艺术家 Rosemarie Trockel 一同参与创作。

Rosemarie Trockel于 1952 年出生于德国，是一位当代概念艺术家，也是一位没有固定风格的艺术家。

作品内容丰富、形式多样，并对传统的女性气质和艺术创作观念提出了挑战。同品牌而言，也有着不言而喻的契合。

她善于运用多种媒介进行创作，像是绘画雕塑、摄影拼贴、针织或陶瓷、装置艺术和行为表演等等，变化丰富、形态各异。

她用机器编织的羊毛材质的针织画，苏联式“生产主义”符号排满画面的《无题》（1987）。以极简的单色织就的《西德制造》（1987）、以及通过纯羊毛标识和花花公子兔型商标构成的《无题》（1988）等。用独特的形式，颠覆艺术品与工艺制品的传统评判标准。

她创作出的针织画，让她在 20 世纪 80 年代名声大噪。

Bottega Veneta同样是在上世纪 70 年代，以独具匠心的 Intrecciato 皮革编织技术成为品牌最为标志性的元素之一。

在最新系列之中，旋转式的印花连贯地出现在整套造型上，仿佛是把 Rosemarie Trockel 的数码艺术作品穿上身，融合得恰到好处。

两者的共性不仅限于形式上的相似，在设计中也颇为相同。Daniel Lee这一季将家居作为设计灵感，以针织这种本身很寻常的材质技法来体现舒适感，却在精细的设计中表现出了极强的艺术感。

在平凡中迸发的独特创造力，是 Rosemarie Trockel 的拿手好戏。

她曾让真人大小的洋娃娃穿着防弹背心，背上却留着麂皮和胡须，以此象征人类的力量和脆弱。

不仅如此，她还曾用陶瓷制成胸部，用泡沫制成外观稳定的盒子。硬物变软，软物变硬，反差共生。

在 Book 02 中，她继续沿用同样的理念，用泥塑做针织上衣、衣物材料制作链条。

而这些元素到了秀场上，变成了解构重组而成的镂空皮质包。

针织连衣裙上柔软致密的泡泡珠毛呢，被打造出了雕塑般坚挺感——

同为创作者 Rosemarie Trockel 也和 Daniel Lee 在艺术表达上已经足够契合。

而在个人生活中，二者默契依旧。他们都远离社交媒体，更常常拒绝接受采访。

低调生活，专注作品。想必这也是两位艺术家在第一次视频通话中，就能一拍即合的原因吧。

或许也正是因为这样的生活态度，让他们能够在瞬息万变的世界中，找到自己的“慢节奏”，专注内心的热爱。

并把自己的思考注入在设计中，再通过作品诉说给我们。

最后的Book 03，也是大秀纪录，便是这份思考的现实投射。

品牌的御用摄影师 Tyrone Lebon 再次掌镜。这位赋予 Bottega Veneta 独特视角的运镜者出生于伦敦，他善于用快拍摄影和富有感染力的电影，来表现纯粹的不完美。

比如在大秀上，他在光线不足的情况下，用失焦的镜头，记录台前幕后，油然而生出一种复古迷幻感。

镜头里，没有宏大布景和夸张的制作，却足够让人愉悦。

没有绝美的构图，甚至偶尔还会看不清细节，但这些真实不羁的瑕疵，就如同现在生活的变化一样，不完美但足够真实。

这是摄影师用镜头告诉我们的，也是品牌在思考的。

对于生活的思考，还出现在了服装设计上，这次 Bottega Veneta 开篇就给我们提出——

“The Importance of Wearing Clothes.”

衣着的重要性是什么？

我想，不受束缚就是其中的一条答案。

本季用接近于家纺制品的布料，打造系列服饰，着重强调的针织和手工艺。

其中针织衣的版型都比较宽松，让人想到了上世纪 60 年代，当时正流行强调女性曲线的衣服。

而“针织女王” Sonia Rykiel 却因为怀孕，无法找到合身的服装，只能自己动手织毛衣，诞生了第一款不束缚女性身体的针织衫——“Poor Boy Sweater”。

她形容自己的设计是“没有形状的”，只有穿上它的人才能定义它的曲线。

这个思路其实类似 The Pouch 云朵包那样。柔软、没有形状，它呈现的样子取决于人们拿它的方式。

在一季里，我们还看到了女装不断出现男装设计元素。如挺括干练的西装连裤装，勾勒出都市女性的独立强大。

反之，男装中也有女性元素的出现。全套藕粉色造型，在柔和的轮廓中，展现出打破性别界限的魅力。

背景音乐中，Neneh Cherry慵懒随性的旁白如同点睛之笔——“Sometimes I wanna dress like a man.”

不论性别，不论形状，不论材质，不受束缚，穿衣自由。

衣着的重要性是什么？

第二条答案，应该是平衡。

这一季的包袋，延续了 Wardrobe 01 系列的概念，将成衣上的编织饰面、钩针和珠毛呢带到 Triangle 手袋上，与本季特征元素无缝衔接，再次达到平衡。

其形而上，在一只包上融合家和办公室的元素，就像我们云办公的日子，从开始的不适应，到如今也顺应自如，这只包也是很与时俱进了。

看似极简实穿的款式下，却增加不寻常的设计亮点。

例如被剪开的裙边就同样是在打破“完整”，找到非传统中的微妙平衡。

衣着的重要性是什么？

最后一条，就是多样性表达。

在这个系列中，Daniel Lee在色彩中找到了更多的可能。

米色、明黄、宝蓝、靛青、朱红、香芋紫纷纷登场，秀场的灯光也随之不停改变，看上去相当绚丽。

坡跟鞋采用手工家纺饰面和皮革，厚实轻便，保持舒适度同时也不失个性。

而另一双“一脚蹬” Neo则致敬了 90 年代，深受锐舞迷和运动员们喜爱的无带便鞋。

用像是汽车座椅的珠子来编织连衣裙，裙摆摇曳生姿，充满趣味和开拓性。

这一季中，还大量出现以往几季中少见的印花、蕾丝，带来强烈的视觉感。

不仅对现有单品进行改变，更在面料和材质上寻求突破。

敢于放下已有成就，重塑自我，才能获得突破，获得多样的表达。

而这些答案，同样也藏在了秀场背景音乐里：“衣着于身……这种概念在某种深度上就非常具有亲密感。我经常会把穿在身上的东西当作是一种保护，有时候衣服会给我勇气。”

其实这和 Daniel Lee 一直以来对品牌的美学定位是相当一致的，衣着是为自己而穿，不需要太多 logo 或复杂的装饰，让好的设计去主导、去替你表达态度。

剧院中，三本书和一场时尚沙龙，向我们共同呈现了这最新一季的大秀。从视觉到触感，到“已知”和“未知”的关系。创作者和我们共同思考着服装和人的关系，持续对设计本质的进行探索。

我想 Bottega Veneta 和 Daniel Lee 也是希望通过这个系列对时效性的逆反，艺术家之间不谋而合的相通，墨守成规与打破桎梏之间的关系，进一步去探索着装的重要性。

回到这一场延迟发布的沙龙大秀之中，聚焦到高级时装的独特性和私密性，让奔腾着的时尚可以放慢脚步，逆行变革。

这样的 Bottega Veneta ，真的很了不起。

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